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Nell’anno dei Giochi Olimpici Invernali di Milano Cortina 2026, Berggruen Arts & Culture presenta la spettacolare installazione Eisfeld II dell’artista di fama internazionale Olaf Nicolai.

Eisfeld II consiste in una pista di pattinaggio di 100 metri quadrati allestita nell’elegante sala affrescata al primo piano dell’antico palazzo settecentesco. L’installazione ambientale utilizza una nuova tecnologia sostenibile che simula il ghiaccio ed è accompagnata da una colonna sonora che invita i visitatori a vivere un'esperienza sensoriale straniante trovandosi in uno spazio chiuso.

Presentata per la prima volta nel 2001 al Migros Museum für Gegenwartskunst di Zurigo, Eisfeld viene ora reinterpretata per Palazzo Diedo immersa in un’imponente atmosfera barocca e realizzata con tecnologie avanzate. Nicolai rinnova il dibattito sulla funzione delle istituzioni culturali.

I due light box ENJOY/SURVIVE I & II, collocate alle estremità della pista, invitano i visitatori a riflettere sul delicato equilibrio tra il piacere e la sopravvivenza, trasformando l’esperienza del pattinaggio in una meditazione sensoriale e concettuale.

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Olaf Nicolai, nato a Halle/Saale nel 1962, è uno dei principali artisti tedeschi. Lavora in modo concettuale e percorre nuove strade nel liberare l’arte dalle forme classiche di rappresentazione e di mercato. Collega l’arte a riflessioni sui mercati e sul materialismo, alla memoria e ai materiali d’archivio, così come a contesti tratti dalla vita quotidiana. Crea paesaggi artificiali e scenari urbani, ingrandisce oggetti di consumo fino a dimensioni monumentali e utilizza grafiche pubblicitarie rese stranianti. Nicolai integra spesso nei suoi progetti risultati della ricerca scientifica. La sua ammirazione per modelli matematici, algoritmi universali, simbolismi e pattern regolari è evidente in molte delle sue installazioni.

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Palazzo Diedo – Berggruen Arts & Culture è lieto di annunciare la mostra The Next Earth: Computation, Crisis, Cosmology, un Evento Collaterale della 19. Mostra Internazionale di Architettura – La Biennale di Venezia.

La mostra unisce due importanti filoni di ricerca: The Noocene: Computation and Cosmology from Antikythera to AI sviluppato da Antikythera e Climate Work: Un/Worlding the Planet di MIT Architecture. Insieme, invitano a riflettere su interrogativi fondamentali riguardo il futuro del nostro pianeta e su come l'architettura possa influenzarne l’avvenire.
L'esposizione crea un dialogo stimolante tra il concetto di computazione planetaria e le pratiche architettoniche ecosostenibili, spingendoci a riconsiderare l'impatto e la portata delle azioni umane sui sistemi naturali della Terra.  Sviluppata su due livelli, The Next Earth orchestra un dialogo tra le ricerche attuali di Antikythera e di MIT Architecture nei campi del clima, della cosmologia e del calcolo computazionale. Da una parte, Antikythera presenta la Terra come una megastruttura in continua evoluzione, attraverso oggetti che raccontano il complesso e interconnesso sviluppo della filosofia moderna, dell'astronomia e della cosmologia. Dall'altra, MIT Architecture offre uno sguardo caleidoscopico attraverso trentasette diverse prospettive su cosa ha significato e cosa potrebbe significare in futuro progettare considerando le implicazioni planetarie dell'architettura e del design.

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Berggruen Arts & Culture è lieta di presentare al pubblico la mostra Controfacciata del fotografo tedesco Matthias Schaller (1965, Dillingen an der Donau) a cura di Mario Codognato. Allestita alla Casa dei Tre Oci, sede veneziana del Berggruen Institute Europe, la rassegna riunisce 28 fotografie della serie Controfacciata, avviata nel 2004, molte delle quali inedite e realizzate appositamente per l’occasione.

La mostra, visitabile dal 5 aprile al 23 novembre 2025, celebra l’approccio fotografico unico di Schaller nella rappresentazione tassonomica di un elemento architettonico tipicamente veneziano quale la controfacciata, che caratterizza i piani nobili dei palazzi del centro storico. Tuttavia, le sue immagini non sono da intendersi come semplici vedute architettoniche, bensì composizioni poetiche che uniscono interno ed esterno, trasformando gli ambienti fotografati in “nature morte” metafisiche. I palazzi veneziani rivelano interni che dialogano con la luce bassa e i riflessi dell’acqua lagunare, creando un potente simbolismo tra il paesaggio urbano e l’esistenza umana.

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Janus è la mostra inaugurale di Palazzo Diedo che riunisce undici artisti invitati a creare opere site specific in diretto rapporto con l’architettura e legate all’antica tradizione dei mestieri d’arte di Venezia, come gli affreschi, i teleri, il vetro di Murano, i tessuti preziosi e la decorazione a terrazza dei pavimenti.

La mostra prende il nome da Giano (Janus), tra le divinità più antiche e venerate del Pantheon romano il dio degli inizi e dei passaggi che con la sua classica iconografia bifronte è in grado di guardare contemporaneamente al passato e al futuro. Questa la sfida raccolta dagli artisti nell’affrontare gli spazi settecenteschi del Palazzo e nell’interpretare in chiave contemporanea, ognuno con la propria sensibilità, le preziose tecniche artigianali che hanno reso grande la storia di Venezia.

A partire dall’ingresso trasformato da Liu Wei in un onirico spazio immersivo popolato da animali fantastici, le opere si insinuano in tutti e quattro i piani giocando sulla meraviglia e lo spaesamento o sull’affinità e la mimesi. Agli affreschi e stucchi antichi si alternano soffitti con ludici sfondati pittorici sul cielo e sul mare di Urs Fischer e AYA TAKANO, che in maniera diversa riprendono la storia dell’arte e i simboli dell’iconografia veneziana (rispettivamente la Camera degli Sposi e il Mercante di Venezia), e i “teleri” di Mariko Mori e Hiroshi Sugimoto che aprono lo sguardo sul proprio personalissimo concetto di luce. Dalla pennellata concettuale di Lee Ufan, eseguita con l’antica tecnica dell’affresco a giornate, alla tela riportata di Jim Shaw, di una tale ricchezza di dettagli e simboli da far invidia ai più enigmatici temi allegorici del passato, fino allo stucco di Ibrahim Mahama che nel soggetto e ancor più nel processo (prodotto in Ghana nella scuola da lui fondata Red Clay) ci impone una riflessione sulla storia e la memoria per affrontare i cambiamenti necessari per superare le ingiustizie del mondo contemporaneo.

La scala, le luci, il pavimento, (Carsten Holler, Sterling Ruby, Piero Golia) elementi strutturali e funzionali dello spazio, sono stati altrettanto coinvolti dal gesto conturbante degli artisti che nell’utilizzo di materiali e tecniche tradizionali, sornionamente si mimetizzano nello spazio previo generare un detournement nello spettatore al momento della loro sperimentazione.

Per approfondire le poetiche dei singoli artisti, insieme alle opere permanenti la mostra presenta anche opere di nuova produzione o concettualmente legate al contesto.

Metafora stessa di Palazzo Diedo che intende guardare al passato per poter interpretare il futuro, Janus unisce artisti di nazionalità e culture diverse ponendosi come ponte tra est e ovest, sud e nord perché nel vedere insieme il prima e il dopo si possa attraversare la soglia che ci porterà dal vecchio al nuovo.

La celebre istituzione culturale interdisciplinare di New York The Kitchen presenta Rhea Dillon (nata nel 1996), l'artista e scrittrice londinese che esamina i modi in cui la Blackness è concettualizzata in una pratica estetica e teorica.

Per l'apertura di Palazzo Diedo, la Polaroid Foundation ha invitato gli 11 artisti partecipanti alla mostra inaugurale Janus a creare un'opera originale utilizzando la Polaroid 20×24. La macchina istantanea più grande del mondo è alta quasi due metri, pesa più di 120 kg e produce foto da 20×24 pollici (50×60 cm) con una notevole risoluzione.